设计组合 Fredrikson Stallard
设计组合 Fredrikson Stallard 作品
设计组合 Fredrikson Stallard 作品
设计组合 Fredrikson Stallard 作品Fredrikson Stallard：设计与艺术的联结者
来源：《收藏?拍卖》杂志
文：蒙丽诗 图：Fredrikson Stallard
Fredrikson Stallard (Patrik Fredrikson and Ian Stallard)，一对活跃在英国伦敦的前卫设计组合。早年两位就读于最富盛名的英国圣马丁艺术学院，1995年成军，即将迎来第十个年头。他们设计有多个具有冲突感的作品，获得国际上广泛的认可，包括当地设计界的泰斗们。在访谈中，我们谈论得最多的是关于“设计”与“艺术”的关系，他们坦言没必要将“设计”与“艺术”对立起来。期间，他们不断用“art piece”(艺术品)和“sculpture”(雕塑)来称呼自己的作品。回头再看看他们的作品，艺术感强烈的外形与实用性兼具的内在，成就了名副其实的设计与艺术的魔幻混合体。
Fredrikson Stallard的作品就像高级的巧克力糖果，华丽的外衣非常讨巧，虽然外形通常非常简洁，但是每一分每一寸都恰到好处，而且用料考究，能将奢华与欲望很好地糅合其内，为艺术所包装，如同静待守候的野兽，异常吸引人。凭借这些特质，作品就能打动来自各阶层的观众，让他们留步瞩目。然而剥开璀璨夺目的外衣，作品的内部结构严谨、一气呵成，并常常在材料使用上富有新意，将材料的原本属性彻底改变，这也是为什么Fredrikson Stallard的作品每次一推出都能引发轰动。最典型的例子就是他们的成名作，2007年制作的“PYRENEES”(比利牛斯山脉沙发)。“PYRENEES”展现了Fredrikson Stallard对家具装饰的全新阐释。在传统印象中，聚氨酯泡沫体(polyurethane foam)多数用作沙发的内填充物(坐垫部分)，外部通常用织物或者皮毛类包裹。然而Fredrikson Stallard却反其道而行，选择直接在固体聚氨酯泡沫体上，用手工雕刻的方式，创造出可以给五个人坐乘的空间。在固体材料上做减法的方式，使得沙发最终呈现出如同地理图像中常见的山脉形状。通过聚氨酯泡沫体“软”的印象和山石“硬”属性的对比，夸大了其中的戏剧性，让整件作品充满新鲜感。
然而Fredrikson Stallard的冒险并没有止步于此，在聚氨酯泡沫体外层上他们运用了特别开发的高科技橡胶涂层，以防止泡沫体被撕裂。另外，在涂层上植入短纤维，远看如同一块巨大的天鹅绒。这也给了他们最大限度的创作自由，可以构建任何想要的颜色。最终，Fredrikson Stallard选取了黑色的短绒毛和黄色的长绒毛，组合成闪耀的黄金色作为边缘和山峰线条捕捉到光线的感觉，呈现出如同在清晨第一缕阳光照射到山脉上，具有光泽感的翠绿效果。沙发体安装在钢制支架上，也让人联想起在博物馆中呈现珍贵化石的展柜。
“‘PYRENEES’以手工雕塑的方式制作的，这种非传统的方式，给了这种材质(聚氨酯泡沫体)一个全新阐释自己的机会。”Fredrikson Stallard 如此解说这件作品，“而且‘PYRENEES’并不是只虚有其表，它真的可以承受五个人的重量。谁说家具作品不能像艺术作品一样有型和吸引人。”
“作品即是作者写照”，他们的作品就如同他们一般，就像伦敦的空气，带着些许冰冷的气息，但是内里却是炽热的，带着最严肃的思考。他们的作品可以看作是具有“艺术感的设计作品”或者“具有设计感的艺术品”。显然“PYRENEES”看起来具有十足的艺术气质，但是其作为设计品的功能并没有丢失。首先作为一个坐具，其的确是能被乘坐的。另外，相对于艺术品而言，“复制”这个设计品中非常重要的特性，“PYRENEES”也依然有做到。除了最原始的手工原件，Fredrikson Stallard通过360°的电脑细致扫描，复制了8件作品。关于机械与手工之间的争论，Fredrikson Stallard开玩笑地说两者都很重要。“即使是现在，我们要创作一件新作品时，依然会从画图纸和建造模型开始。手工占据设计很重要的一个部分，并会持续如此。但是同时，科技和机械给予了设计全新的生命。在科技和机械的帮助下，可以将一些手工制作无法实施的、异想天开的方案完成，而且保证了精确度，这给予了一些过去从未想过的形式或者途径去设计作品。因此，手工和机械同样重要，缺一不可。”正如外媒评论的那样，“对于原料的探索和冒险是Fredrikson Stallard的核心。如果说他们是一个设计组合，更不如说是探索设计领域的炼金室。”
当然天才不是一瞬就能炼成的。Fredrikson Stallard表示，他们的作品都经过长时间的创作，而非一次成型。“我们无时无刻不在创作东西，无论是小的物件或者设计草图，只要有想法都会记录下来。但是我们不会将这些草图马上就做成产品，而是将他们放置一段时间，不断审度并进行改进，这是一个非常强大的自我编辑过程。大部分的设计是家具作品，我们会和这些“未完成”的作品一起生活，在许多年后我们就会明白哪些部分是可行的，哪些部分还需要改进。这是我们的一贯做事方式，我们不希望拔苗助长，我们相信一切顺其自然。”
虽然Fredrikson Stallard的出产非常慢，但是通常同一件作品会有几个不同的色彩版本。Patrik Fredrikson笑言设计并不是他们的灵感来源，艺术才是。他们非常羡慕艺术家能为所欲为，毫无顾忌。“如果是艺术家，他可以直接将猪血倒在地板上，并称之为地毯，这比我们的情人地毯更加神奇。但是因为我们是设计师，所以必须使用聚氨酯。它必须真的可以在上面走路而不弄花，这些因素都是要被考虑的。”
“因此色彩成为了我们一个非常重要的宣泄途径，”Ian Stallard紧接着谈到，“我们常常花费非常多的时间在作品的色彩上，我们想要他们看起来就像是颜色原始的状态，但是这个非常难办到。通常绘制一个作品需要将颜料混合起来，这些颜料在光的环境中打开，会吸收光线将其原来表面的哑光所掩盖，呈现一种具有光泽感的效果。在工作室打开颜料罐的时候，你会觉得这些色彩在未混合前就已经够棒了，红黄蓝的原色。但是当你调和它们的时候，就会发现那种激情会被逐渐消磨掉，而之后不断的混合和调试都只是为了寻回最初的色彩。”
对于被问到最近关于现代设计家具越来越受到热捧，Fredrikson Stallard给出了自己的看法。“我们从来不追潮流，也不敢说自己是潮流的领导者，我们只是在做自己的事情。就像我们的第一个作品桌子#1，常年被艺术和设计媒体报道，设计书、美术馆，甚至拍卖行都对它很感兴趣。然而大众却会想‘这究竟是什么？不就是一堆木头。’经过10年，大众才逐渐接受并觉得这个可能的确是一个不错的作品。这个时候他们才意识到设计的重要性和适用性。刚开始，他们会觉得用木头设计一张桌子，用意太明显和没有什么设计加工的成分在里面。但其实远不仅仅如此。桌子#1对于我们而言，并不仅仅是将一堆木头捆起来而已，如果是那样这件作品就没有意义了。对于我们而言，最重要的是花费时间去创造一些新的东西，一些别人没有做过的事情，或许不一定会成功，也可能会带来沮丧。不过这些都不重要，重要的是在过程中感受到快乐。当然如果做出来的作品能在极短的时间内就销售一空的话感觉会更好，但是其实只要感受到快乐就好。当然现在大家对于具有设计感和艺术感的家具接受度越来越高，对于像我们这样的设计师来说的确带来更多更好的机会。”
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